Nous poursuivons notre voyage à travers l’histoire de la peinture et nous le faisons en surmontant l’étape des ombres et des ténèbres du baroque, un style qui remplissait les toiles de thèmes noirs et religieux. La souffrance de Jésus-Christ et la présence de la Bible ont été surmontées par la main des Lumières, qui ont installé une nouvelle morale et sociologie parmi la population occidentale.
Ainsi naquit le néoclassicisme, courant qui défendait le rôle institutionnel de l’État et la nécessité de l’ordre et des lois pour organiser la société. Les peintures devaient être techniquement parfaites et thématiquement utiles : elles devaient enseigner des valeurs à la société.
Simultanément au néoclassicisme, le romantisme avait plus de différences thématiques que formelles. Au premier romantisme l’imagination, l’irrationalité, la suggestion, l’affranchissement de l’énoncé, des normes et des règles néoclassiques.
Peinture néoclassique (1760-1830)
Jusqu’à présent, l’Histoire de la Peinture est une histoire d’évolution continue, chaque style essayant de surpasser les précédents, proposant de nouvelles techniques et thèmes. Cependant, le néoclassicisme signifie arrêter cette évolution et revenir dans le passé. Durant cette étape la peinture n’explore pas de nouvelles manières d’aborder les tableaux, elle reprend des thèmes classiques et suit un style très académique, qui ne permet pas à l’auteur de sortir de l’ordre établi.
L’explication de ce style « ennuyeux » se trouve en France dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, où le néoclassicisme avait son épicentre. Dans les milieux cultivés et aristocratiques, la mode était au retour au classique. Un bon exemple se trouve chez l’écrivain influent Denis Diderot, qui affirmait qu’en art « il faut privilégier un style serein ». Pour la classe pensante de l’époque (le Siècle des Lumières, il faut en tenir compte), la peinture devait avoir pour objectif de transmettre des valeurs civiques et morales. Ceci a été réalisé à travers le thème classique, rappelant les légendes, les héros et les dieux.
Pour se faire une idée de la nostalgie que les néoclassiques avaient de la Grèce antique ou de la Rome antique, on peut se pencher sur la gravure d’Henry Fussli (et surtout son titre) : L’artiste ému au désespoir par la grandeur des vestiges antiques . 1700 ans s’étaient écoulés, mais les classiques avaient encore de nombreux adeptes.
L’architecture néoclassique récupère également des notions telles que l’ordre dorique à fût cannelé, l’importance des colonnes, les frontons à statues… et tous ces éléments apparaissent dans les peintures qui tendent presque toujours à représenter des édifices monumentaux. L’architecture prédomine sur le décoratif, montrant que l’anthropocentrisme a perdu du pouvoir dans la société et l’idéologie. L’individu n’était rien. Il y avait des choses plus grandes que lui : la communauté, la société, l’État, la nation, les lois, l’autorité… etc.
L’artiste le plus important du néoclassicisme fut sans aucun doute le français Jacques-Louis David (1748-1825), qui opta pour la pureté des lignes, des proportions et de la symétrie. Il rejette les contrastes chromatiques et accorde l’horizontalité à ses compositions. Certaines de ses œuvres les plus importantes sont Le Serment des Horaces (1785), La Mort de Socrate (1787), La Mort de Marat (1793) ou encore Le Sacre de Napoléon , une immense toile de dix mètres de large et de six mètres de haut dans laquelle les principales caractéristiques techniques du néoclassicisme sont représentées.
Avec David, l’autre grand peintre néoclassique est Dominique Ingres (1780-1867). Avec des lignes pures, des couleurs froides et la prédominance du dessin sur la couleur, Ingres présente la beauté idéale dans des œuvres comme La banista de Valpincon (1808) ou L’Apothéose d’Homère (1827). Ce tableau montre quelques-unes des caractéristiques que nous avons commentées du néoclassicisme: thème classique, présence d’une architecture monumentale, perfection anatomique et horizontalité dans la composition.
Cependant, l’école néoclassique s’est rapidement retrouvée avec un courant rebelle qui n’acceptait pas une telle rigueur et soumission aux règles. Parallèlement au néoclassicisme surgit une vague de pensée romantique qui influence les arts et libère les artistes des règles néoclassiques. De nombreux auteurs ayant participé au néoclassicisme se sont tournés vers le romantisme, le style qui a connu le plus de succès au XIXe siècle.
Le romantisme en peinture (1770-1870)
Au départ, le romantisme était un courant littéraire. Influencés par les œuvres de Goethe, Schiller ou Wordsworth, de nombreux peintres ont commencé à se tourner vers la nature pour s’inspirer de leurs compositions. En Allemagne, le mouvement littéraire Sturm und Drang a été la clé du développement de la peinture romantique, apportant un air de liberté et des sentiments débridés qui ont imprégné les toiles du XIXe siècle.
Pré-romantisme (1770-1820)
Comme presque toujours dans tout style artistique, une première phase d’introduction est nécessaire jusqu’à atteindre le cœur du nouveau genre. Dans ce cas, le romantisme a connu un pré-romantisme entre les années 1770 et 1820 dans lequel les auteurs ont commencé à esquisser le style, basé principalement sur la réponse aux conventions néoclassiques. La liberté a été embrassée, contre les règles académiques strictes proposées par le néoclassicisme.
Les coups de pinceau des auteurs romantiques sont libres et pleins d’expressivité, le trait cesse de prédominer sur la couleur qui s’affranchit des limites trop définies (avec l’évolution vers l’impressionnisme cette caractéristique sera exploitée au maximum), le dégradé des la lumière donne un caractère théâtral aux œuvres, les compositions sont marquées par des lignes courbes et des gestes dramatiques.
Le pré-romantisme a son pilier essentiel dans l’ esprit individualiste, qui trouve l’un de ses meilleurs reflets dans Walker on Sea of Clouds , de Friedrich. Si le néoclassicisme mettait en évidence le rôle de l’État, des institutions et de l’ordre établi dans la configuration de la société, le pré-romantisme parie sur l’individu en tant que directeur de sa propre vie, avec la liberté comme élément fondamental pour le développement des hommes.
Pour les peintres du pré-romantisme, la mémoire idéalisée d’un passé glorieux sert d’inspiration dans de nombreuses œuvres. De la Grèce antique au Moyen Âge, les auteurs rassemblent dans leurs peintures des dessins d’architecture antique, des moments historiques, des légendes. On le voit dans des tableaux comme Sappho à Leucade , dans lequel Antoine Jean-Gros reflète l’histoire de la poétesse grecque Sappho, qui s’est suicidée par manque d’amour en se jetant à la mer, ou dans L’Abbaye de la Chênaie. , dans lequel Friedrich met en évidence l’ intérêt pour le gothique et les ruines et la nuit.
L’obsession de la mort et du fantastique, ainsi que du brouillard, des ténèbres ou des monstres, sera très récurrente chez les peintres du début du XIXe siècle. La solitude de ces lieux abandonnés et marginalisés de la société sera un bon compagnon pour l’ambiance romantique. Cet étrange goût pour le noir finira par caractériser le travail d’artistes tels que Francisco de Goya ou Henry Fussli.
Avec le pré-romantisme, la nature est redécouverte et le genre paysage commence à se développer. Les peintres s’intéressent aux paysages naturels, mais aussi aux espaces imaginés. Si dans le néoclassicisme les scènes des peintures se déroulaient à l’intérieur, à l’intérieur de bâtiments majestueux ou dans l’environnement urbain, le romantisme propose de sortir et de contempler la nature, de la représenter fidèlement ou d’y ajouter une touche de fantaisie.
Plein romantisme (1820-1850)
Bien qu’il soit mort à l’âge de 32 ans, Théodore Géricault a eu le temps de peindre l’œuvre essentielle et avec laquelle le courant romantique s’est popularisé : Le Radeau de la Méduse (1819). Exposée à Londres, elle est rapidement acquise par le Louvre. L’œuvre reflète les émotions passionnées, l’expression et l’angoisse de l’homme devant la force de la nature à partir d’un événement historique réel : le naufrage d’un navire de la marine française qui a coûté la vie à tout son équipage au large de Dakar.
Le disciple de Géricault était Eugène Delacroix, l’un des grands maîtres du romantisme. L’une de ses premières œuvres est La Barque de Dante (1822), tableau dans lequel il s’intéresse à un thème infernal et dans lequel il récupère des légendes classiques. Dans Le Massacre de Chios (1824), il présente les horreurs de la guerre qui, cette même année, se déroulait entre la Grèce et la Turquie. Fortement influencé par l’actualité qui l’entoure, Delacroix s’intéresse à la lutte des classes française et peint La Liberté guidant le peuple , son tableau le plus célèbre.
L’une des caractéristiques du romantisme est le goût de l’exotisme. Lorsque Napoléon termine sa campagne militaire en Égypte en 1801, il apporte en France toute une série de motifs orientaux qui vont influencer la mode et l’art de l’époque. Tout au long du 19ème siècle, l’orientalisme sera un style largement utilisé dans le design. L’idée de l’Orient était une source d’inspiration nouvelle et passionnante. De nouvelles lumières et couleurs, ainsi que de nouveaux thèmes, viennent de ces terres lointaines. C’est ce qu’on observe dans les Femmes d’Alger de Delacroix .
En dépit d’être un maître du néoclassicisme dans les formes et d’être durement critiqué par Gericault et Delacroix, Ingres a également été influencé par l’orientalisme, et dans des œuvres telles que La Grande Odalisque , il a présenté des éléments exotiques et un nu provocateur. L’orientalisme était l’excuse parfaite pour peindre des nus et des scènes érotiques.
Alors que les peintres français privilégient l’individu, des artistes anglais comme John Constable ou John Martin préfèrent mettre en avant l’immensité, la beauté et la force de la nature. Ils ont présenté des paysages spacieux qui pouvaient aller de prairies calmes avec des ruisseaux à des phénomènes naturels violents tels que des volcans.
Constable est reconnu comme le meilleur paysagiste de l’époque, avec des œuvres telles que The Hay Wain (1821) et un encouragement à dépeindre cette Angleterre non affectée par le gris et la fumée de la révolution industrielle. Ses paysages évoquent ses souvenirs d’enfance et le monde rural, qui garde une atmosphère romantique loin du développement et de la modernité.
William Turner a amené l’ aménagement paysager à des extrêmes inconnus, brouillant les lignes et créant de nouvelles atmosphères. Pour cette raison, il est considéré comme un promoteur de l’impressionnisme et de l’abstraction. Dans des œuvres comme Pluie, vapeur et vitesse ou Hannibal traversant les Alpes , Turner reflète l’immensité de la nature et la détermination de l’homme à surmonter l’adversité, que ce soit en créant de nouvelles machines (le chemin de fer) ou avec le courage de l’individu (traverser les Alpes à pied). ).
En Allemagne, Friedrich s’intéresse aussi aux paysages ( Les Trois Âges , 1835), et en Espagne se distingue l’œuvre de Carlos de Haes, amoureux de la nature du pays, comme on peut le voir dans Los picos de Europa (1876), Bajamar à Guetaria (1881) ou Vue du monastère de pierre (1851).
Postromantisme (1850-1870)
A partir de 1850, le romantisme perdra de sa popularité face à un nouveau courant : le réalisme (un courant dont nous parlerons dans le prochain chapitre d’Histoire de la Peinture). Avant de disparaître totalement, le romantisme vit une tentative de survie dans le post-romantisme, dans lequel plusieurs auteurs rechignent à sortir du style romantique. Le réalisme a imprégné l’art sous toutes ses formes (musique, littérature, peinture), mais un groupe de post-romantiques a continué à embrasser l’orientalisme et à explorer la voie de l’impressionnisme.
L’un des peintres les plus marquants de cette scène diffuse, située plus ou moins entre 1850 et 1870, est l’Espagnol Mariano Fortuny, grand amateur de thèmes orientalistes et de couleurs vives. Aussi Eugenio Lucas Velazquez, adepte du style Goya et intéressé par les questions sociales qui caractérisent le réalisme.
En France, le post-romantisme comprend des noms comme Gustave Dore, un célèbre illustrateur de dessins au fusain, et Eugène Fromentin, un orientaliste de premier plan. L’écrivain Victor Hugo lui-même a également une œuvre graphique remarquable de dessins à thème romantique, avec des mondes fantastiques et des sentiments d’angoisse.
De nombreuses peintures post-romantiques sont presque pré-impressionnistes. Cela signifie que les contours commencent à disparaître, comme le montre l’érotique Carmen Bastian (1871), de Fortuny, où le fauteuil se confond avec le mur et le sol. Toujours dans Ofelia , d’Eduardo Rosales, un tableau de 1860 qui ne présente directement aucune ligne pour délimiter les éléments du tableau. Le romantisme succombe à l’évolution des intérêts sociaux et artistiques et prend fin vers 1870, après plus d’un demi-siècle de domination, où le goût de la nature et de la liberté l’emporte.
