Couleurs, formes vertigineuses, plis, traits, taches, déchets, métaux nobles, structures en bois, marbre, coupes, lignes, points… l’art est chaos dans l’ordre de nos élèves et ordre dans le chaos de nos vies, représentation de liberté et liberté de représentation, alpha et oméga de l’ingéniosité humaine, seul axe catégorique qui nous éloigne des animaux (si je puis dire); l’art nous transporte dans le passé, nous renseigne sur le génie, sa situation et sa pensée, car imprégné de son contexte historique l’artiste adopte une position, souvent inconsciente, dans l’amalgame politique.

« Mets un frein à Tamara, nous nous connaissons. Avec cette introduction si sentimentale tu essaies de me dire que tout art a une composante politique… ? Je sais que vous pensez en fronçant les sourcils et en tordant votre nez ; et la réponse, j’en ai peur, sera affirmative. Attendre. Avant que vous ne décidiez d’arrêter ici votre lecture, bouleversé par ce mimétisme entre le beau monde de la créativité et le fastidieux environnement diplomatique, je vous propose un jeu ; Pensez à ces quatre œuvres : « Charles V à la bataille de Mühlberg » de Titien, « La reddition de Breda » de Velázquez, « Les exécutions du 3 mai » de Goya et « El Guernica » de Picasso.

Je sais, peut-être venez-vous de vous indigner de quatre exemples aussi basiques et dans lesquels la question gouvernementale (liée à la guerre) est si évidente, mais donnez-moi le bénéfice du doute et continuez le jeu ; tous quatre représentent les conséquences d’incendies dans des moments historiques très variés que les artistes ont préservés de l’oubli avec leurs œuvres (qu’elles soient commandées ou par simple irritation personnelle) ; Jusqu’à présent, nous sommes d’accord et il n’y a aucune possibilité d’objection. Mais maintenant, utilisons ces mêmes artistes avec des œuvres complètement différentes et qui n’ont rien à voir avec des campagnes ou des escarmouches hostiles, pensez-vous ? : « Dánae » de Titien », « La Venus del espejo » de Velázquez, « La maja desnuda «  de Goya,et « Les Demoiselles d’Avignon » de Picasso. Prenez quelques minutes pour les visualiser et pensez : y a-t-il une intention politique ici ? Ces peintures sont-elles autre chose que des femmes posant dans diverses attitudes plus ou moins pudiques et calmes ? Reflètent-ils une provocation ou un soutien au régime historique que les artistes ont vécu ?… C’est alors que le jeu s’est compliqué et que ma condition d’historien devient pertinente pour vous dire que OUI, il y a sans doute une affection dans ces peintures à la fois dans la mesure où ce désir conditionne le contexte gouvernemental dans lequel elles ont été créées.

Avant d’entrer pleinement dans le sujet, il ne faut pas oublier que le phénomène artistique est une manifestation idéologique, culturelle, économique et politique, et pas seulement esthétique, raison pour laquelle la société entretient une série d’attentes à son égard, feignant de voir son environnement, sa doctrine réfléchi et idées; précisément l’idéologie sera un élément très important du goût artistique (la goutte) et bien sûr elle impressionnera l’autorité des hautes sphères en tant que principaux dégustateurs d’art et conspirateurs tendancieux. Cela dérivera dans l’élaboration de schémas globaux d’une ligne artistique définie et immuable, conditionnée à la liberté d’exposition et à l’isolement d’un silence répréhensible qui entraîne sa véritable conceptualisation ; C’est le cas des travaux deTiziano et Velázquez mentionnés ci-dessus et que nous allons maintenant analyser.

En 1553 , Felipe II confia à Titien l’élaboration de six « poèmes » inspirés par le référent « ut pictura poesis » (« la peinture est comme la poésie ») et par l’assiduité voyeuriste du jeune prince qui avait envie de se délecter des œillets infusés dans les « Métamorphoses » d’ Ovide : Vénus, Andromède, Diane, Europe et Danaé ont éludé ici leur chasteté et leur pudeur pour s’exhiber comme ressources du désir masculin devant un futur régent qui veillait pendant des heures sur leur dialogue éternel, envoûté par cette vision interdit depuis 1545.

Sí, la venida del Concilio de Trento tras la fragmentación de la iglesia cristiana en el 1507 con la reforma protestante había dificultado la posesión o encargo de estas tareas pictóricas tan “libidinosas”, llegando a considerarse su tenencia como amoral, inapropiada e incluso peligrosa para L’âme; seul le thème mythologique subsistait face à la censure, voilé par l’idée que la nudité était une condition propre au paganisme et qu’un tel détail ne ferait que ridiculiser les préceptes religieux passés. Bien sûr, une telle obscénité n’a servi que d’échappatoire à la libre expression d’artistes comme Titien, qui ont prospéré les histoires classiques pour satisfaire la goutte quelque peu discordante de Felipe.

Dans un étalage de provocation masquée, il nous présente une Danaé qui nous reçoit en courtisane (contrairement à ce que Corrège a fait en 1531 et Mabuse en 1527, optant pour une jeune fille douce, pure et innocente) et qui s’abandonne dans l’expectative pour profiter du contact divin de Zeus (transformé en pluie d’or); comme il fallait dans cette ligne de représentation, il nous offre une image du décorum chrétien dans la figure de l’esclave,qui essaie à peine d’arrêter le contact prophétisé. Bien que l’expression médusée et quelque peu captivée de ce personnage soit reléguée au second plan par rapport à la proéminence de l’héritière nue du roi d’Argos, il est inévitable de trouver ici la critique furtive du cadorino : face à la passion et au désir tout le dévot retarderait le rejet au profit de la délectation.

On peut supposer que cette allusion n’est peut-être pas passée inaperçue auprès des spectateurs occasionnels de la loge royale, puisqu’en 1565 Titien expose une nouvelle version dans laquelle l’esclave (tournée et mate) formule son horreur et tente par tous les moyens d’arrêter le contact de l’immortel avec la fille de son seigneur. Très probablement, cher lecteur, vous vous retrouvez maintenant à donner à ce célèbre tableau un caractère purement érotique, mais s’il vous plaît, ne commettez pas l’erreur de le considérer comme une simple pornographie de luxe, car sa signification va bien au-delà de la jouissance ou du plaisir phallocentrique. cette Danaénous met en garde contre un contexte historique défavorable à la liberté représentative du génie, nous montre le parallèle entre la possession sociale et l’opinion contraire de Titien , pariant sur une exégèse qui cherche à s’éloigner de cet argument sacré classé comme imposant la morale à des fins purement supratoires ( c’est-à-dire de la tenure au contrôle de la population en passant par la perturbation et l’appréhension du feu éternel). Bien que cette estampe titianesque ne sera jamais assez contestée pour être considérée comme une infraction au canon, on pourrait en effet y comprendre une révulsion agitante.

Dans cette lignée et en allant un peu plus loin, nous trouvons « La Vénus dans le miroir » de Velázquez (1649), affichant un nu féminin réaliste et vivant (très influencé par l’œuvre de Titien) caractérisé non seulement par le fait de tourner le dos au spectateur ( qui devient un simple voyeur) si ce n’est pour s’être détaché de l’image originelle de ces Vénus émerveillées de sa propre vision qui se lissent avec coquetterie. Contrairement à tout ce qui avait été établi 104 ans auparavant par le pieux conclave, Velázquez expose une déesse qui contemple son sexe à travers le miroir (sans aucune retenue) tandis que le petit Cupidonil la médite et la scrute avec curiosité ; de notre point de vue, nous ne pouvons voir que le reflet de son visage qui, avec son regard fixé sur les formes pubiennes, nous échappe complètement. C’est donc une image provocatrice, incapable de laisser indifférents ses spectateurs ponctuels et qui aurait sans doute causé plus d’un désagrément à son destinataire si elle avait été repérée par quelque poste de coadjuteur. Et je sais que vous vous demandez, cher lecteur, « Qui était le patron d’un tel paradigme d’indiscipline ? Sans doute un autre roi comme Felipe II,que de sa position il aurait pu éviter toute poursuite canonique en échange d’un pèlerinage et de quelques dons à l’Église, n’est-ce pas ? Malheureusement pour nous, la réponse est encore aujourd’hui incertaine et pleine d’énigmes ; De son histoire, nous avons encore les noms de deux de ses propriétaires: Don Gaspar Méndez de Haro y Guzmán (petit-neveu du comte duc d’Olivares, premier patron de Velázquez et VII Marqués del Carpio y del Heliche) qui l’a rebaptisé « Contemplative Vénus ». «  dans son inventaire, et Domingo Guerra Colonel ancien propriétaire qui l’aurait acquis après la mort de Velázquezsur le propre domaine de l’artiste. La découverte d’une série de lettres faisant référence à une « Vénus allongée » qui ornait l’une des chambres du peintre baroque, pourrait nous amener à soupçonner que l’artiste lui-même était également le destinataire du tableau ; mais avoir un tel travail dans la maison privée et s’exposer à sa révélation entraînerait une perte de prestige ainsi qu’une accusation de débauche qui aurait privé même un membre des plus hautes sphères de ses revenus, alors nous devrions nous demander.. Qu’est – ce qui pousse Velázquez à tout risquer pour un seul tableau ? A mon avis, il s’agit du plaisir sublime de l’incitation à rompre avec le prototype de l’objectivation féminine(ici auto-satisfait et auto-satisfait) ainsi que l’antagonisme retentissant au régime sacré de domination ; Vénus ne fait pas attention au spectateur comme elle ne fait pas attention aux préjugés politico-sociaux qui censurent sa liberté, au contraire elle les combat en utilisant son indifférence comme une arme.

Ainsi, nous tombons dans une intention historique facilement séparable (ce qui s’oppose à la perception idéaliste de la création comme une activité non objectivable) de ses variables, étant donné que l’art est un phénomène social et culturel qui existe dans le monde même. structure, qu’elle soit politique ou même religieuse. A cet égard, il est intéressant que l’appartenance à un espace public ou l’accumulation de relations culturelles (héritées ou acquises) provoquent un changement significatif non seulement dans la manière dont le spectateur perçoit l’œuvre, mais aussi dans la manière dont l’artiste qu’elle pose, régie par des principes d’inspection et d’idéologie (élément très important du goût artistique comme nous l’ont fait remarquer Antal et Hausser),faire de l’art une partie symbiotique de ces systèmes de pouvoir politique et social; A tel point que notre considération d’une œuvre peut muter selon les préceptes philosophiques que notre société manie ainsi que notre instance historique. Pour illustrer succinctement ce principe, lorsque nous regardons les Vénus aujourd’hui, nous avons tendance à les simplifier en tant que nu féminin, mais lorsqu’elles sont vues au XVIIe siècle, elles ont conservé un fort caractère critique et instigateur.Sous cette prémisse, l’art peut être à la fois une partie fondamentale de la lutte des classes, comme un axe de grande importance dans la construction doctrinale d’une société qui ne cesse d’évoluer et de tourner avec les changements historiques ; En ce sens, « Les exécutions du 3 mai » ou « El Guernica » méritent d’être soulignés si l’on veut s’attarder sur des exemples plus paradigmatiques, ou encore « Maja Desnuda » et « Las señoritas de Avignon » qui nous concernent ci-dessous.

Cité en 1800 dans le cadre du cabinet de Godoy, « La maja desnuda » brise l’interdit pictural établi depuis le 16ème siècle, s’affranchissant complètement des thèmes mythologiques pour montrer une femme réaliste qui exhibe même naturellement sa pilosité pubienne tout en nous observant malicieusement. ; Par deux simples décantations dans le regard et la posture de la figure, Goya libère la femme de tout lien antérieur, y compris ces lignes béatifiques qui assimilaient la femme joyeuse de son corps à une prostituée ; la protagoniste défie toutes les conventions avec son offre physique, et contrairement à la Vénus de Velázquez Elle décide d’utiliser sa propre sexualité pour faire face à la question législative de l’État comme une performance contemporaine. Cette émancipation graphique coûtera à Goya ses poursuites inquisitoires en 1814 lorsqu’un tribunal jugea que la pièce incitait à une conduite obscène et obscène, un processus dont il obtiendrait l’acquittement grâce à l’influence du cardinal Luis María de Borbón y Vallabriga, tandis que la peinture serait reléguée aux oubliettes de la mémoire publique jusqu’au début du XXe siècle (un fait qui peut apparaître comme une défaite pour la liberté d’exposition mais qui ne fait que renforcer l’idée que l’opposition au canon imposé a fait son effet).

« Las señoritas de Avignon » continue avec ce détachement d’une circonstance historique de plus grand confort, puisqu’avec l’arrivée du XXe siècle le changement des inclinations sociales n’a pas attendu : l’avènement des réformes typiques du modernisme a apporté avec elle une forte indépendance témoignage que même la restauration des Bourbons de 1874 (enchaînée dans les attitudes traditionalistes) n’a pu limiter, en outre les changements culturels prônés par la bourgeoisie ont conduit au remplacement des valeurs religieuses par l’art et la science, faisant du XXe siècle l’ère par excellence de l’ athéisme et la communication insoumise. Dans cette mesure, des artistes comme Picassoils ont décidé de miser sur des formes inédites et sans édulcoration (le cas du cubisme et ses prises de vue dures) ainsi que sur des thèmes qui auraient pu blesser auparavant s’ils n’avaient pas été modifiés sous le voile de la légende : la prostitution et le pur défi à l’idiosyncrasie rétrograde étaient lié à cette nouvelle façon de créer-impulser-harceler. Dans l’œuvre du cubiste de Malaga, ces demoiselles de la rue Avinyó (à Barcelone) ne nous étudient pas délibérément, ni avec sentimentalité ou avec une histoire sous le bras qu’elles veulent partager avec nous. Peut-être ne remarquent-ils même pas notre présence car nous ne sommes que les ombres d’un temps qui reste pour eux dérisoire, défiant le cycle authentique et la narration picturale ; ellesc’est de la chair pure et nue, qui s’exhibe (sous un fond clairement hétéropatriarcal) et qui rompt avec le silence majestueux et pudique d’ une société qui a trop longtemps subi l’emprise d’une obstination surveillée sous soutane.

Peu à peu, l’idée que la matière créatrice joue un rôle libérateur, ainsi que l’assimilation de l’art du passé par la pensée présente, ont fait naître une nouvelle esthétique critique qui a déployé les ailes du génie pour faire du talent un outil de diatribe. et le changement social. L’apparition des installations de Nam June Paik, des performances de Joseph Beuys ou des successions informelles de Tapiés n’ont fait que donner l’idée que l’art était un outil d’activisme politique capable de creuser pour ou contre la pensée et le cadre circonstanciel (auquel il est complètement et irrémédiablement lié), afin de pouvoir gérer une nouvelle évolution-évaluation sociale ; une tendance passée inaperçue du fait de son action tacite de subsistance mais qui peut-être (après cette lecture) vous sera inévitable, cher lecteur.

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