Les progres de la vie urbaine et du commerce font qu’au XVe siecle les villes deviennent les protagonistes de tous les domaines de la vie. C’est dans les villes ou vivaient les gens, la ou les imprimeries distribuaient les livres, la ou l’Eglise avait ses grandes cathedrales, la ou residaient les riches familles de marchands, la ou les changements s’operaient… a la fin du Moyen Age, c’etait la ville ou la duree de vie.

Les villes etaient des centres politiques, religieux, militaires et culturels. En Italie, certaines des villes les plus dynamiques et cosmopolites etaient Florence, Rome ou Venise, et c’est en elles qu’apparaissent les premiers ateliers de maitres peintres.

Les peintres de la Renaissance passent du tableau a la toile et remplacent la technique traditionnelle de la detrempe par l’huile, qui permet de plus grandes possibilites plastiques et est deja utilisee aux Pays-Bas par les maitres flamands de la peinture gothique. Neanmoins, a la Renaissance, les maitres italiens ont egalement travaille sur les fresques, creant de grands ensembles muraux. Ils essayerent de creer des compositions symetriques et equilibrees, repondant a des formes geometriques, et utiliserent un nouveau systeme de representation visuelle: la perspective, basee sur la representation mathematique de la profondeur d’un espace a travers des lignes qui convergent vers un point de fuite situe dans le plat.

A la Renaissance, la peinture connait une epoque ou la ligne predomine sur la couleur : le dessin est concu comme le pere des arts visuels, et tant a Florence (Quattrocento) qu’a Rome (Cinquecento), dessinant le contour et le dessin des figures, tandis que la spontaneite utilisation de la couleur a ete faite. Ce n’est qu’avec l’arrivee de l’ecole venitienne (manierisme) que la couleur a commence a l’emporter sur le dessin.

Quattrocento

La Renaissance a lieu en Italie presque cent ans avant le reste de l’Europe. Au cours des quatre cents ans , dans les villes de la peninsule italienne, l’interet des familles aisees pour l’ouvre des maitres peintres grandit. C’est ainsi que les auteurs apparaissent, puisque chaque ouvre est livree signee, et l’anonymat des etapes precedentes disparait. A Padoue se trouve l’atelier d’Andrea Mantegna, en Ombrie le maitre Pietro Perugino produit ses ouvres et a Venise il y a Antonello de Messina et Giovanni Bellini. Cependant, surtout ces centres culturels, Florence s’est demarquee, ville cosmopolite qui a reuni un grand nombre de peintres : Andrea de Verrocchio, Piero della Francesca, Fra Angelico, Ucello, Masaccio, Ghirlandaio… et Sandro Botticelli, le grand maitre du Quattrocento.

Cette premiere periode de la Renaissance est datee entre les annees 1400 et 1499 environ. C’est une epoque ou les maitres recuperent les canons de beaute de l’Antiquite classique en essayant de briser le dogmatisme medieval. Dans cette enquete sur les techniques de l’Antiquite, processus de recherche et d’experimentation se confondent. Des etudes de perspective sont realisees et il s’agit de maitriser l’idee de proportion, en plus de mettre en valeur des traits naturels et realistes. Tous ces changements ont trouve leur appui theorique dans le courant du neoplatonisme, qui a reussi a reconcilier les idees du christianisme avec le paganisme de l’Antiquite classique, faisant que la mythologie retrouve la dignite qu’elle avait perdue au cours du Haut Moyen Age.

Influence par les maitres flamands et les ecrits de Petrarca, Della Francesa traite du portrait et de la profondeur dans ses peintures. En outre, il redige deux traites, l’un sur la perspective et un autre sur la lumiere en peinture. Ces ecrits et etudes montrent le caractere du maitre peintre non seulement en tant que peintre, mais en tant qu’analyste et etudiant de l’art et des techniques. De son cote, Masaccio renonce a l’elegance de la peinture gothique et entreprend de recuperer le volume des personnages en les traitant comme s’il s’agissait de sculptures. Outre la corporeite, l’utilisation de la lumiere pour creer des clairs-obscurs est un autre element marquant de l’ouvre de Masaccio, un auteur qui sera plus tard etudie par Michel-Ange lui-meme.

Sandro Botticelli (1445-1510) est ne, a vecu et est mort a Florence. Il ne pouvait en etre autrement, etant le maitre le plus important du Quattrocento. Sous le patronage de la famille Medicis, il realise les tableaux les plus celebres de cette periode de la peinture : La Naissance de Venus (1484), Le Printemps (1478) ou encore Pallas et le Centaure (1483) en font partie. Botticelli presente un naturalisme idealise, une exuberance decorative et une predominance de lignes courbes et sinueuses. Influence par l’humanisme et le neoplatonisme, il fait la part belle au corps humain et aux representations symboliques de themes mythologiques ou classiques. Son ouvre la plus celebre, La Naissance de Venus(1484), a ete peint pour un membre de la famille Medicis afin de decorer l’un de leurs palais. Il etait tres typique pour les familles de la classe superieure de se faire concurrence pour voir qui avait les meilleures peintures. La Venus de Botticelli provient de la lecture par le peintre des histoires d’Homere et apparait comme representant l’idee de la beaute, avec de longs cheveux dores et une peau douce et delicate. La ligne de dessin sombre renforce les contours, comme si elle essayait de donner a la figure l’apparence d’une statue.

Au Quattrocento cette idee de representer les corps comme s’il s’agissait de sculptures classiques impregnait l’expressivite des figures d’un air serein et contenu. De plus, ils ont ete idealises selon les canons classiques de la beaute, de la Grece antique et de Rome. L’etude anatomique de l’etre humain, comme nous le verrons dans le Cinquecento avec Leonard ou Michel-Ange, etait tres importante pour transferer proportion, harmonie et equilibre aux figures peintes.

Le Cinquecento est le summum de la Renaissance en ce qui concerne la peinture. C’est une breve periode (1500-1520) pendant laquelle les plus grands maitres composent leurs principales ouvres. La chute de la famille Medicis suppose la perte du pouvoir de Florence, qui perd le trone de centre culturel au profit de Rome. C’est dans cette ville que, sous le patronage des papes (Julio II et Leon X), les maitres peintres executerent leur ouvre : Michel-Ange, Raphael et Leonard de Vinci en sont des exemples. A Venise egalement, nous trouverons une production importante -et differenciee- de la main de Titien.

La peinture du Cinquecento est tres differente de celle du Quattrocento : la perspective geometrique est remplacee par la perspective aerienne, la rigueur dans l’agencement des figures conduit les peintres a adopter des compositions pyramidales, le but est de donner un sens d’ ordre et d’equilibre dans le peintures, l’utilisation de la lumiere est differente -ce n’est plus une lumiere qui eclaire directement, mais a travers les ombres, la brume et le crepuscule apparaissent, les formes apparaissent plus arrondies et avec une sensation de volume, etc.

Durant le Cinquecento, le portrait devient pertinent , un genre parfait pour faconner l’anthropocentrisme de la Renaissance. Rois, papes, aristocrates et bourgeois commanderont de nombreux portraits aux maitres peintres pour decorer leurs residences.

Leonard de Vinci est sans aucun doute le personnage le plus celebre de la Renaissance. Son nom a franchi les limites de l’art et fait deja partie de la culture populaire. Prototype de l’homme humaniste, il s’interesse aux mathematiques, a l’astronomie, a l’hydrodynamique, a l’optique, a la botanique et a l’anatomie. En plus d’etudier toutes ces branches du savoir, Leonard a eu le temps d’inventer nombre d’outils et de machines, d’ecrire toutes sortes de traites… et de se consacrer a la peinture. Certaines des peintures les plus celebres de l’histoire sont nees de son ingeniosite et de son pinceau, comme La Gioconda  (1503) ou la Cene  (1497).

Le succes de Leonard de Vinci -encore aujourd’hui- tient non seulement a sa qualite picturale (il etait un maitre de la tonalite, de la symetrie, du portrait ou de la perspective), mais aussi au halo de mystere qui entoure ses ouvres. Beaucoup d’entre eux peuvent etre lus avec un double sens, en essayant de decouvrir le ou les messages que le genie cachait derriere le tableau. Les significations cachees de La Vierge aux Rochers et de la Cene sont analysees dans l’article de VENTURA: « CEuvres d’art a messages secrets ».

L’ Annonciation  de Leonard de Vinci, 1475. Conserve a la Galerie des Offices, a Florence. « L’oil recoit le meme plaisir de la beaute peinte que de la beaute reelle » – Da Vinci Da Vinci a apporte deux contributions importantes a la peinture: le sfumato et la perspective aerienne, deux techniques qui fonctionnaient en creant de la brume. Le sfumato  essaie de brouiller les tons vers des valeurs plus sombres, de sorte qu’il ne reste pas le moindre coup de pinceau dans la peinture. C’est une technique utilisee pour donner une impression de profondeur, donnant a la composition des contours imprecis et une apparence de distance. Leonardo lui-meme a defini sfumato – un terme qu’il a lui-meme invente – comme « sans lignes ni bords, sous forme de fumee ou au-dela du plan de mise au point ». Pour sa part, la La perspective aerienne (ou perspective atmospherique) a ete mise au point par Da Vinci pour representer des espaces tridimensionnels sur une surface plane. Encore une fois, le jeu de la lumiere et de l’ombre est utilise pour, a travers la couleur, tromper notre perception et transmettre un sentiment de realisme. Leonard cree une brume et fait perdre du contraste aux tons. C’est une perspective beaucoup plus realiste que la perspective lineaire utilisee par les maitres du Quattrocento.

Le deuxieme grand maitre de la Haute Renaissance est Michel- Ange, qui, bien qu’il soit avant tout l’un des grands sculpteurs de l’histoire, a egalement produit d’importantes ouvres picturales. Les peintures avec lesquelles il a decore la voute de la chapelle Sixtine, commandee par le pape Jules II, sont particulierement celebres. Avec cette enorme peinture murale au plafond, Michel-Ange a ete immortalise comme l’un des genies de l’histoire de l’art. Les peintures sont toujours la, suspendues au-dessus de la tete des touristes, deployant 500m2 de couleurs et d’images. Miguel Angel a travaille seul, sans assistants, pour terminer ce travail impressionnant (qui lui a pris quatre ans), et a concu une architecture simulee pour compartimenter ce qui etait represente dans plusieurs scenes, toutes tirees du livre de la Genese. La plus celebre est sans aucun doute la Creation d’Adam., peinture que nous analysons dans l’article ‘CEuvres d’art a messages secrets’. Les personnages de Michel-Ange ont des figures colossales, musclees et gigantesques, les arriere-plans sont de couleurs neutres pour ne pas detourner l’attention de l’action des scenes. Il y a beaucoup d’expressivite et de drame, et on observe aussi des exemples de raccourcis, qui montrent la maitrise de Michel-Ange avec le pinceau.

En 1500, Raphael n’avait que 17 ans. Le plus jeune des genies italiens s’est laisse influencer par Michel-Ange et Leonard et, avec les bons conseils de son professeur Pietro Perugino -auteur du Quattrocento-, a reussi a combiner le meilleur des anciens maitres Masaccio et Botticelli avec les innovations de son contemporains. . Ses Madones a l’Enfant sont pleines de grace et de charme, delicieusement composees et enluminees. Avec un naturalisme idealise, Rafael recherche la beaute a travers l’equilibre, la proportion et l’harmonie. Il a utilise a la fois la perspective lineaire et la perspective aerienne proposees par Da Vinci, et a presente un traitement sculptural aux personnages, leur donnant du volume. Le souci de symetrie est observe dans Les Fiancailles de la Vierge(1504), et son ouvre la plus celebre est L’Ecole d’Athenes (1511), une fresque qui orne une salle du Palais apostolique du Vatican, et dans laquelle apparaissent les philosophes les plus importants de l’Antiquite. Ce tableau est l’un des symboles de la Renaissance, transmettant clairement l’interet qu’il y avait a cette epoque pour la pensee de la Grece classique.

Raphael fait plusieurs clins d’oil aux maitres contemporains de la Renaissance : Platon est presente avec le visage de Leonard de Vinci, Heraclite avec celui de Michel-Ange. Il realise meme un autoportrait de lui-meme, cache derriere le groupe de geographes, regardant directement le spectateur. Les historiens de l’art comprennent que Raphael a joue ce jeu en voulant mettre les peintres de la Renaissance a egalite avec les grands penseurs de l’Antiquite.

Le genie Raphael mourut jeune, en 1520, et avec lui l’age d’or du Cinquecento romain. Sa vie avait ete digne d’un film : orphelin, enfant prodige, il grandit dans les ateliers des meilleurs professeurs, a 25 ans il peint son chef-d’ouvre, et meurt apres une nuit d’exces sexuels. Une courte vie qui ne l’a pas empeche d’atteindre la gloire, la fortune et apres quoi il s’est taille une place parmi les meilleurs peintres de l’histoire.

Dans les dernieres annees du Cinquecento, un nouveau centre culturel est apparu parallelement a Rome : la prospere et commerciale Venise. Dans l’ecole dite venitienne, les auteurs donnaient plus d’importance a la couleur qu’au dessin et s’interessaient a representer la nature de maniere beaucoup plus protagoniste. Ce groupe d’auteurs, dirige par Titien, est normalement considere comme le trait d’union entre le Cinquecento et le manierisme , la derniere phase de la Renaissance. Il est egalement important de mentionner les peintres de la Renaissance hors d’Italie, comme l’Allemand Albrecht Durer (voir son Adam et Eve , de 1507).

Manierisme

Avec les travaux de Raphael, Leonard et Michel-Ange, la perfection etait atteinte. Ce qui venait apres, ils ne pourraient plus surpasser la qualite du Cinquecento, ils ne pouvaient qu’essayer de les imiter. Les peintres des generations futures devront peindre a la maniere des grands maitres de la Haute Renaissance, et c’est ainsi que le manierisme est arrive . Au cours de cette etape qui a occupe le reste du XVIe siecle, la logique picturale precedente a ete completement changee : aucune tentative n’a ete faite pour representer la realite de maniere naturaliste, mais plutot elle a ete capricieusement deformee d’une maniere etrange, les peintures ne transmettent plus d’ordre, les personnages adoptent des postures compliquees, ils sont representes de maniere disproportionnee, la lumiere devient froide et anormalement coloree, les couleurs ne reposent pas sur des gammes et elles s’affrontent brusquement… Pour toutes ces raisons, le manierisme est compris comme un « anti-classique ».  » reaction qui rompt l’harmonie. Il est difficile d’interpreter les peintures manieristes, car derriere leurs compositions etranges se cache un raffinement intellectuel tres profond.

Michel-Ange a eu une enorme influence sur le manierisme, notamment avec sa fresque du Jugement dernier (1537), ou apparaissent les idees de desordre, d’expressivite, de spontaneite, de figures tordues et beaucoup de drame. Les ouvres des auteurs manieristes changent l’equilibre du Cinquecento pour la tension, et le chromatisme doux pour un intense. C’est ce qu’on observe dans l’ouvre du Tintoret, eleve de Titien.

Le Tintoret a su exploiter l’utilisation de la lumiere et de l’ombre qu’il avait apprise de son professeur et a reussi a creer des scenes pleines d’energie et de drame, avec des effets de lumiere spectaculaires et une utilisation alternative de la perspective. Dans sa Cene (1592), le Tintoret rompt avec la tradition de la symetrie autour de Jesus et presente une action en mouvement, desordonnee, chaotique et accompagnee d’etres fantastiques qui survolent le plafond. C’est une ouvre sombre et lugubre, a l’interieur d’une taverne, eclairee seulement par une lampe et par l’aureole de Jesus-Christ. Dans les couleurs, nous observons une tonalite qui anticipe la phase suivante que traversera la peinture: le baroque.

Poursuivant avec l’anti-naturalisme, nous trouvons dans l’ouvre d’ El Greco un bon exemple de manierisme. Domenikos Theotokopoulos est ne sur l’ile de Crete, en Grece, et en raison de son origine, il etait connu et renomme « El Greco ». Ses peintures sont particulierement novatrices, et presentent des traits totalement caracteristiques. Il est tres facile de detecter une peinture d’El Greco : ses couleurs intenses, ses figures allongees, et ses decors magiques et irreels nous donnent l’indice pour savoir quand le Grec se cache derriere une ouvre. Pour s’ecarter de l’orthodoxie de l’epoque, certains ont qualifie El Greco de proto-expressionniste.

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